Gachi Prieto Gallery en ArteBa 09

GACHI PRIETO GALLERY en ARTEBA 09 Stand F-52 22 al 26 de mayo de 2009, 13 a 22 hs La Rural -- Av. Sarmiento 2704, Buenos Aires

BUENOS AIRES SALVAJE street art

defi + PMP + TeC + nasa

Inauguración: 31 de Marzo a las 19 hs.
en Gachi Prieto Gallery, Uriarte 1976 entre Soler y Nicaragua, en el corazón de Palermo Viejo Soho! Ciudad de Buenos Aires

Gachi Prieto Gallery y ARTISTAS DE BUENOS AIRES presentan cuatro personalidades del street-art: una estética de gran impacto visual, expresión cruda y producción independiente.



Utilizando referencias del cómic, el pop, el tattoo, los art-toys, el indie, el skate, el hip hop y el punk, todas ellas enraizadas en su propia herencia y búsqueda personal, este grupo de artistas nos propone explorar sus visiones creativas a través de una muestra intrigante y extremadamente contemporánea.



Esta breve selección de íconos del arte joven, con todo un estilo propio, ofrece un panorama de lo que esta pasando en el mundo del arte urbano de nuestra ciudad. Aunque Defi, PMP, Tec, y Nasa, no sólo se destacan en la escena local; son cada vez más reconocidos internacionalmente y están haciendo su aparición, o mejor dicho su invasión en las calles de Los Ángeles (febrero 08), San Pablo (marzo 09) y Berlín (junio-agosto 09), epicentros del fenómeno de las acciones artísticas callejeras, mediante el uso de plantillas, carteles, pegatinas, sprays y otras técnicas y códigos que se alejan cada vez más del graffiti y se convierten paulatinamente en grandes murales, instalaciones y performances.



En el año 2000 algunos de ellos formaron el colectivo FASE que inició sus actividades con la producción de una revista temática, Superfanzine, que cuenta con ocho fascículos editados desde entonces. Juntos participaron del Festival de Cine de Berlin 2005, y fueron seleccionados para la Berlinale Talent Campus, reservado a jóvenes talentos, con el cortometraje “Futbol Fase 05”. Su proyecto SMILE fue tomado por OMA Internacional (Office for Media and Art) de Austria para desarrollar un videogame que será lanzado en breve en Europa y los Estados Unidos.



Hoy además de encontrar sus producciones en los muros de las ciudades, las vemos en
locales de grandes marcas, en las paredes de nuestras casas y hasta en ropa, transformando a quien la porta en una obra ambulante.



Es un desafío dialogar con espíritus tan libres y salvajes, y por otro lado, de alguna manera, acotarlos….es verdad, son sólo cuatro ejemplos de artistas y creadores urbanos… pero quisimos reunir algunos de sus trabajos en el ámbito de una muestra no sólo por su autenticidad y singular energía, sino porque además se apoyan conceptualmente en uno de los puntales ideológicos del Street Art: utilizar la calle como textura y como panel para exponer una idea y gritar su existencia.



Apenas unos días antes de la inauguración realizaron un happening de co-creación para
intervenir las cortinas de hierro del frente de la galería, contagiándola con la misma adrenalina de sus bombardeos de pintura en su paso por la ciudad.

Hemos sido etiquetados por el street art.

Buenos Aires Salvaje – street art
Del 31 de marzo al 29 de abril 2009

Curaduría: Angie Roytgolz
Montaje: Miguel Ortemberg



-HOY JUEVES 26 DE MARZO A LAS 19 HS SE REALIZARA LA INTERVENCIÓN A LA PERSIANA DE LA GALERIA- EN VIVO EN PLENA CALLE

ART BASEL MIAMI BEACH

Hola a todos!

Estoy en Miami, recorriendo Art Basel y otras ferias, es la primera vez que vengo... en este momento les escribo desde la sala de prensa de Art Basel... esto es realmente muy rico, en todos los sentidos...
estuve viendo, charlando y recorriendo algunos lugares, en general me sorprende la gran apertura de los galeristas, muchos de ellos ven con curiosidad el mundo el arte de Buenos Aires... desde aqui se puede tener una perspectiva, mas amplia y diferente acerca de nuestra actividad alli...
Mi mayor deseo es realizar una buena gestion y poder llegar a transmitirles un poco de esta gran movida de arte internacional...
Proximamente les estare publicando mis contactos para poderme encontrar con aquellos amigos que esten por aca...
.... estoy buscando la manera de publicar las imagenes, y mayores informaciones


un fuerte abrazo!
Angie

Encuentro Informativo Premio arteBA - Petrobras | Sexta Edición 2009

Todos los artistas interesados están invitados a presentarse a la sexta edición del Premio arteBA - Petrobras de artes visuales, a un Encuentro Informativo sobre las bases del Premio. En la misma estarán presentes tanto la directora del Premio, Laura Buccellato, como los integrantes del Jurado de Selección: Ana Gallardo, Florencia Malbrán y Pablo Siquier. Será un encuentro informal, donde se responderá a preguntas o dudas que puedan surgir a partir de las bases del Premio.

Encuentro Informativo Sexta Edición Premio arteBA - Petrobras.
Fecha: Lunes 24 de noviembre.
Horario: 18 hrs.
Lugar: Biblioteca del Centro Cultural Ricardo Rojas (Corrientes 2038, 2º piso- Cdad. de Buenos Aires)

posted by Angie Roytgolz

HABEMUS NUEVA PROA

Duchamp reabre Proa
... una obra que no es una obra "de arte"



Se trata de una muestra de fotografías, cartas, objetos y filmaciones que exponen el proceso de ruptura generado por el artista francés en la historia del arte. Reabrirá el sábado próximo las puertas del antiguo edificio del barrio porteño de La Boca, renovado con nuevas tecnologías. Télam

"¿Puede uno hacer obras que no sean ´de arte´?" La pregunta que Marcel Duchamp se hizo en 1913 no sólo marcó un giro radical en la práctica del entonces pintor, que comenzaría a concebir sus famosos readymades, resignificando objetos producidos en masa. También inició una revolución en la historia del arte, tal como lo refleja la muestra que se inaugurará en Proa. Mega24

La exposición tuvo el apoyo de Jacqueline Matisse, hijastra de Duchamp y nieta de Matisse, quien propuso como curadora a la estadounidense Elena Filipovic. "Jacqueline Matisse estuvo muy involucrada en la muestra, prestó algunas obras suyas y ayudó a convencer a otros coleccionistas para que hagan préstamos", confía Filipovic a Clarín, en una pausa del afiebrado montaje. Es que reunir más de 120 obras del artista (objetos, documentos y fotografías) no fue sencillo. Entre los envíos de colecciones privadas y museos figuran nada menos que el Philadelphia Museum of Art, el Centre Pompidou de París y el Moderna Museet de Estocolmo.

A 40 años de la muerte de Duchamp y a 90 de su misteriosa estadía en Buenos Aires --registrada en el catálogo de la muestra a través de la minuciosa investigación documental de Cintia Mezza--, el título de la muestra alude a una de las preguntas clave que disparó el artista: "¿Puede uno hacer una obra que no sea una obra de arte?" "Todavía los artistas y las instituciones se siguen preguntando qué es una obra de arte y cuáles son sus límites", afirma Filipovic. Clarín.

Con la mirada puesta en las instituciones culturales de las grandes ciudades del siglo XXI, Fundación Proa decidió dar un golpe de timón y adecuar su sede, en La Boca, a una propuesta mucho más abarcadora. Una vez más convocó al estudio italiano Caruso-Torricella, que llevó adelante un proyecto de integración entre memoria y tecnología. Por ejemplo, se ampliaron los sectores de exhibición y se agregaron una librería, un auditorio y un restaurante en la terraza...
(...) "Proa no es una institución con aspiraciones macro, el proyecto cultural sí es macro, por eso se le exige mucho a cada metro cuadrado –sostiene Adriana Rosenberg, presidenta de la fundación–. Este emprendimiento nunca intentó ser algo inabordable, no es ése nuestro concepto de institución. No se construye un edificio nuevo sino que, como otras instituciones modelo en el mundo, por ejemplo, la Tate Modern, en Londres, apostamos a la recuperación de espacios industriales alojados en una situación urbana decaída. En este caso no se trata de una ampliación, sino que se dio por finalizado el concepto de la primera Proa, que se transforma en un nuevo modelo de institución abierto a otras disciplinas. La fachada de vidrio es extraordinaria, le imprime una gran vitalidad al barrio y ofrece una vista única de la ciudad. Definitivamente, es como mirar arte: aporta una nueva visión de las cosas." La Nación.

La Fundación Proa presentará a partir del sábado en su renovada sede, la primera gran muestra individual en Latinoamérica de Marcel Duchamp. Ambito Financiero.

Fundación PROA
Av. Pedro de Mendoza 1929
[C1169AAD] Buenos Aires
Argentina
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Martes a domingo de 11 a 19 hs
Lunes cerrado
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Entrada general $10 / estudiantes $6 / jubilados $3
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[54-11]4104 1000
www.proa.org
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Tenaris - Ternium
Organización Techint

posted by Angie Roytgolz

Rosemarie Allers en Galería Thames

Este 6 de Noviembre inaugura "Es fetichista tu obra..." muestra de pinturas de Rosemarie Allers en la Galería Thames, de Mabel Ibarra, en Thames 1776, en pleno Palermo Hollywood.


Sátrapa 100 x 120 óleo

Es fetichista tu obra…


Hombre protegido óleo 150 x 180 cm Año 2008

“Es fetichista tu obra” fue el título elegido. Las razones para darle sentido a este gesto abundan. Es sabido que las designaciones juegan con la desventaja de la subjetividad de quien designa. Nadie menos indicado para darle un sentido unívoco a una expresión artística que el mismo ser humano. ¿Por qué esto es así nos preguntamos? Simplemente porque lo unívoco se escapa de la multiplicidad que ofrece el juego inconsciente. Admitir la existencia de referencias exactas es privarnos de la riqueza de lo inconsciente. ¡Qué importa si en el cuadro son los hombres o las mujeres las sometidas! ¡Qué importa si hay arpías, sátrapas, hembras fatídicas o verdaderas eminencias de la perversión! El valor impuesto por el rasgo, no designará con exactitud lo inasible del inconsciente.


Rosemarie Allers. Medias rojas Acrílico 100 x 150 cm Año 2008

Por eso, lo importante será la gesta, el movimiento, esa impronta irreverente que precisamente no nos somete a conclusiones. ¿Acaso, el error, la duda o la inexperiencia no son los mejores motores para la creación? Dejemos esta vez que descansen los arquetipos, no intentemos definirlos siquiera con la poética de la imposibilidad. Cómo ya se ha dicho tantas veces, veamos la obra, ya que esta nos habla y nos hablará en diferentes idiomas. ¿Te gusta el verde? Alejandro Haloua.


*Se la podrá visitar Lunes a Viernes de 14 a 20 y Sábados de 15 a 20 hs... hasta el Sábado 25.

VANDERGRIJN 2008 - SUM ZERO- en Galería Laura Haber

Erik van der Grijn “Sum Zero” técnica mixta sobre tela, tríptico 200x240cm.

Este miércoles 22 de Octubre a las 19 inaugura Erik Adriaan van der Grijn su muestra de pinturas más recientes SUM ZERO*, en la Galería Laura Haber, Juncal 885 casi esquina Suipacha, Ciudad de Buenos Aires.




Erik van der Grijn, es un gran artista holandés por nacimiento, errante por opción y argentino por pasión, de quién sus trabajos son poseídos y mostrados en muchos museos e instituciones de todo el mundo, su rígida y famosa paleta de colores amarilla y negra, en ocasiones enriquecida por el azul celestial y el rojo de la sangre, son, como él dice, advertencias para prestar la atención, para testimoniar.

“SUM ZERO”

VAN DER GRIJN Se ha pasado la vida recordándonos, visual y enérgicamente, sobre los peligros y las injusticias que acechan nuestro mundo.



En esta, su obra más reciente, él concluye que, a pesar de todas las fuerzas de esperanza y progreso, no hemos superado las desgracias y desastres originados por el hombre, al contrario, cada vez hay más agresiones.... Al final, es SUM ZERO*



*SUM ZERO deriva de la filosofía de la teoría del juego, que sostiene que cada ganancia implica una pérdida semejante.


Erik van der Grijn “María de Buenos Aires” homenaje a Astor Piazzolla. técnica mixta sobre tela, cuatro paneles, 172x224cm.

Erik van der Grijn*, the yellow fellow, is one of the most important contemporary abstract expressionist in the world.


* Erik Adriann van der Grijn* (b.1941) / www.vandergrijn.com

Born in the Netherlands, Erik Adriaan van der Grijn studied at the Royal College of Art in the Hague. In 1964 he moved to Ireland where he regularly showed at the Living Art exhibitions and had several solo shows at the Hendriks Gallery. He received several public commissions including the design of the Sir William Orpen stamp for An Post in 1977. Since 1995 van der Grijn has divided his time between the United States and South America exhibiting regularly in New York and Buenos Aires. His art is in many major public collections including the Irish Museum of Modern Art, the Hugh Lane, UCD and the OPW.


Erik van der Grijn “Cruz Empaquetada” oleo sobre tela, 150x150cm


So what is this work?
It is painting. Although he has done installations, conceptual works, sculptures and prints, Erik is a painter. He usually works with oil paints on canvas... another wonderful quality of his oil paint is the colours: van der Grijn has always used and loved what is called cadmium yellow, a very bright yellow used as an attention-gutter and warning colour on readings in various countries.
Since 1992, all of van der Grijn's works has pertained to what he calls injustice. At law, this is the denial of the rights of another person, but in the broader scheme of things, We would say that justice is a human concept but hardly a human practice. In fact the works have ranged about injustice in various countries like such as Yugoslavia and Somalia, even Greece, as well as Northern Ireland, with his monumental work "Nunca Más" (Never Again!), and now with "Sum Zero", in Argentina... but van der Grijn is not a bleeding-heart liberal who sponsors lost causes all over the world. The purpose of his work is painting.



Relacionados:
http://artistasdebuenosaires.blogspot.com/search?q=erik+van+der+grijn

Alejandra Quiroz en NYC

La fotógrafa argentina Alejandra Quiróz, expone sus obras en SAPO, The Argentinean Contemporary Drawing Gallery in New York City.


Alejandra Quiroz y el dibujo de la luz


León intervenido, por Alejandra Quiroz

¿Más allá de los procedimientos, cuál es el límite entre la fotografía y la pintura en tanto dadoras de imágenes? ¿Cuál es el límite entre el dibujo y la pintura –si es que existe- en el lenguaje articulado por las líneas, colores y espacios? ¿Cuál es el límite entre el dibujo y la fotografía, cuando el primero determina contornos que la luz puede atrapar? Esta serie de preguntas están estrechamente unidas y pueden provocar largas disquisiones. Pero en este momento escribiendo un prólogo para el catálogo de una exposición de Alejandra Quiróz quiero concretamente concentrarme en la tercer pregunta, porque justamente ella dibuja con la luz. Las fotografías que ella ha realizado en el taller de nuestro gran artista León Ferrari –reciente ganador del gran león de Oro de la última Bienal de Venecia- constituye un claro ejemplo de lo que puede la luz dibujar y también de lo que el color, cuando aparece como vibraciones lumínicas, puede adjetivar aquello dibujado. Con un ojo de joyero, Alejandra va brindando una obra que nos dice que los caminos para la imagen son tan múltiples que hoy ya no tiene sentido anquilosarse en viejas categorías para hablar del arte de la imagen.

Alejandra Quiroz and The Drawing of Light

Beyond procedures themselves, which is the limit between photography and painting as suppliers of images? Which is the limit between drawing and painting – if there is such a thing – in the language articulated by lines, colors, and spaces? Which is the limit between drawing and photography, when the former determines contours that can be caught by light? This series of questions are closely linked and may provoke long digressions. But now, as I am writing a prolog for a catalog of an exhibition by Alejandra Quiróz, I would like to focus precisely on the third question, since she specifically draws with light. The photographs she has done in the workshop of our great artist León Ferrari –recently awarded with the great Golden Lion at the 2007 Venice Biennale – is a clear example of what light can draw and also of how color, when appearing in luminous vibrations, can describe what has been drawn. With a jeweler’s eye, Alejandra provides a work that tells us that the roads towards an image are so multiple that it is pointless now to dwell on old categories to talk about the art of the image.

Luís Felipe Noé




posted by Angie Röytgolz



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La Asociación Amigos Erik Adriaan van der Grijn en Expotrastiendas

La Asociación Amigos Erik Adriaan van der Grijn presenta en Expotrastiendas'08, Stand: F70 / Pabellón 2, a los artistas

Marcelo BORDESE
Aníbal GARFUNKEL
Mauro KOLIVA
Dante SILVA

Opening: Viernes 12 de Septiembre a las 19.
Abierta al público desde el 13 al 18 de Septiembre de 14 a 22 hs.
Centro Municipal de Exposiciones de la Ciudad de Buenos Aires.
Av. Figueroa Alcorta y Pueyrredón.


Marcelo BORDESE

Marcelo Bordese "El Beso Verde" 2008, acrílico sobre tela. 246 x 190cm

En la obra de Bordese, las referencias y los modelos de la antigüedad revienen una y otra vez. Esa referencia actúa, por un lado, renovando temas y formas, aportando un repertorio iconográfico singular; por otro, aparece como expresión de una actitud existencial de dar forma al mundo interno, a los sueños, perversiones, deseos y temores, siempre primitivos, de los hombres. Como señala el mismo artista, sus trabajos no hacen otra cosa que referir a problemas eternos: Dios, el amor, la muerte... (María Teresa Constantin)


Aníbal GARFUNKEL

Aníbal Garfunkel "Al otro lado" 2008. Brea, pintura asfáltica, acrílico y óleo sobre MDF 82 x 190 cm. Serie BLACK WATER.

Estamos empetrolados, o sea, zambullidos contra nuestra voluntad en un mar negro y muy espeso. En un mundo que ha hecho del petróleo una necesidad indispensable, cuando, en cambio, perturba el sistema ecológico, el paisaje, el aire que respiramos, la salud, la economía mundial y los usos políticos. O sea, nos está matando. No es una metáfora. Es una realidad.
Garfunkel, artista de la imagen, la percibió como quien saca una fotografía, no ya de la realidad obvia sino de esa realidad que se habla cuando se habla de economía y política. Lo dice tan claramente con la imagen, que las palabras sobran.... (Luis Felipe Noé)


Mauro KOLIVA

Mauro Koliva "El Dragón" 2008. técnica mixta, plastilina, base de MDF y caja de vidrio. 60 x 90 x 125 cm

Sospecho que el arte es un fenómeno similar al de “hablar un idioma extraño”, idioma con el que se pueden nombrar y describir cosas que se encadenan en una especie de delirio voluntario. Dialecto privado, tributario de una lengua imaginaria, como ese balbuceo reconcentrado que los niños componen mientras juegan.
En líneas generales trabajo con dibujos, instalaciones y objetos. Estas prácticas exploran, a su manera y con sus especificidades, territorios amplios envueltos por horizontes comunes: explorar el cuerpo de las imágenes; desfasar las escalas de referencia y jugar con los imaginarios sobre lo fantástico y lo monstruoso... (Mauro Koliva)


Dante SILVA

Dante Silva "Cerezas en el Mausoleo" 2008. 180 x 190 cm. pigmentos, emulsión vinílica, tiza, cola, látex y acrílico sobre lienzo.

Dante Silva se sumerge en la contradicción aquí relevada: sus paisajes, sus figuras vienen representados con abierto ardor, en la aproximación a una forma cerrada, pero al mismo tiempo abierta a nuevos desarrollos en el cuadro mismo, con una nobleza que merece ser observada, entendida y admirada... (Mario Quadraroli)


... los esperamos

Angie Röytgolz

Gachi Pietro Gallery ¡¡El mejor de los éxitos!!

RAMON SICART, GACHI PRIETO Y GISELA RÀFOLS.

Gachi Prieto Gallery inauguró su nuevo espacio de arte contemporáneo en Palermo Soho el pasado jueves 28 de agosto con una primer muestra individual de la reconocida fotógrafa catalana, Gisela Ràfols

PROYECCIONES
de Gisela Ràfols
28 de agosto – 30 de septiembre 2008

Dentro del marco de los Encuentros Abiertos del Festival de la Luz, el lema “Nosotros, ustedes, ellos”, que engloba la edición 2008 de estos encuentros, sintoniza muy bien con la propuesta actual de esta artista de apenas 24 años que presenta trabajos fotográficos de su serie Proyecciones, donde reflexiona sobre las formas de representación del sujeto.


Gisela Ràfols entiende su trabajo como la exploración de lo irrepresentable, algo que tan sólo se expresa en la oscuridad.

En las imágenes fotográficas que conforman esta serie, trabaja sobre los diferentes estados anímicos del ser humano. Predomina el negro, como fondo y a la vez contorno, del núcleo de la imagen que representa la parte desconocida de nosotros mismos, nuestro yo más oculto.

Son imágenes hechas de luz, atrapadas en la oscuridad, que nos sugieren un mundo fantasmagórico. En todas ellas un fragmento del cuerpo - la cabeza, los brazos o las piernas - están ausentes, y provocan la impotencia que sufrimos frente a determinados momentos límites. Así muestra las posibles reacciones de la persona, desde la agresividad, la resignación o hasta la asfixia.

Los cuerpos desnudos hacen visible la parte interior del individuo y evitan que el vestuario o los accesorios puedan ser condicionantes a la hora de pensar el sujeto. Estos cuerpos no están situados en ningún escenario concreto, ya que lo esencial es el hombre, omnipresente, y lo que lo envuelve es el vacío. No hay lugar para la indiferencia. En palabras de la artista, “mi obra en cierto modo exterioriza y pone en escena la sensación de angustia que el individuo contemporáneo padece”.

Graduada en Fotografía y Creación Digital en el Centro de la Imagen y la Tecnología Multimedia (CITM), Universidad Politécnica de Catalunya, Terrassa, Gisela Ràfols ha recibido la Beca Erasmus del “University College Falmouth”, de Cornwall, Inglaterra. Actualmente vive y trabaja en Vilafranca del Penedès, Barcelona.


En el panorama del arte actual dialogan lenguajes de exponentes de diferentes contextos, que enriquecen y permiten comprender la producción contemporánea más allá de las fronteras. En este caso Gisela Ràfols realiza su primer muestra individual en nuestro país, gracias a un acuerdo de cooperación con la Galería Sicart, de Barcelona.


Gachi Prieto Gallery - Contemporary Latin American Art, desde su espacio, se proyecta como vitrina y punto de encuentro para propuestas de arte latinoamericano contemporáneo. Dirigida por Gachi Prieto, la iniciativa surge a principios del 2007 como una consultora para la difusión del arte argentino en el exterior, la gestión cultural y el intercambio con galerías e instituciones.

En este sentido, la estrategia es generar alianzas, y representar no solamente artistas locales, sino también a importantes referentes del arte contemporáneo de las provincias del interior de la Argentina y de otros países de Latinoamérica. Este cruce de fronteras – dentro y fuera del país – permitirá una mayor flexibilidad a la hora de generar nuevos espacios de proyección internacional dentro del circuito de ferias, bienales y museos.

Otro de los objetivos de Gachi Prieto Gallery, es ofrecer una nutrida trastienda, de artistas de generaciones diferentes.

GPG abre su espacio con exposiciones de artistas de distintas disciplinas, cuyas obras se destacan por su solidez. En Octubre presentará una colectiva de artistas de reconocida trayectoria como Ana Eckell, Ana Lizaso, Elba Bairon, Silvia Rivas y Viviana Zargón. Mariano Sapia mostrará sus obras durante el mes de Noviembre y para cerrar el año está prevista una muestra de artistas jóvenes que trabajan en relación al cine.

Gachi Prieto Gallery ha elegido para su primer espacio físico Palermo Soho, una ubicación estratégica por su cercanía a museos y a otros espacios alternativos dedicados a las artes visuales en particular, pero que también le permite dialogar con el turismo y con la amplia movida cultural que se ha ido desarrollando en los últimos años en una de las zonas más vitales de Buenos Aires.

GPG inicia su gestión con un selecto grupo de artistas visuales de la escena contemporánea argentina como Ana Eckell, Ana Lizazo, Lotty Inchauspe, Silvia Rivas, Viviana Zargón, Andrés Waissman y Mariano Sapia junto a talentosos exponentes de los nuevos lenguajes como: Constanza Alberione, Bruno Grisanti, Nicolás Arispe, Sebastián Barreiro, Nelson Luty, Leonardo Garibotti, Maria Elisa Luna, Martín Carpaneto, Andrés de Rose y Federico Fernández, entre otros.

Como foco de intercambio regional, Gachi Prieto Gallery ha concretado la representación en la Argentina de artistas como Arturo Duclos de Chile; Silvia Mecozzi y Camille Kachani de Brasil; Fernando López Laje y Martin Pelenur de Uruguay; Ana Fernández e Isabel Espinoza de Ecuador; Nader Barhumi de Perú, y artistas argentinos que viven en el exterior como Dolores Zorreguieta y Alejandro Dron entro otros. Por otro lado ya ha establecido acuerdos de cooperación con galerías de primera línea como Braga Menéndez de Buenos Aires (www.galeriabm.com) Galeria Sicart de Barcelona (www.galeriasicart.com), Galeria Moro de Chile (www.galeriamoro.cl) y Murilo Castro de Brasil (www.murilocastro.com.br).

Gachi Prieto Gallery, se incorpora así al mundo de las artes plásticas de Buenos Aires, sumándose a la ya tradicional vida cultural que la ha hecho reconocida internacionalmente, gracias, en parte, al esfuerzo conjunto de quienes formamos el núcleo creativo y de gestión que hoy se proyecta y se afirma fronteras afuera.



GACHI PRIETO GALLERY
Contemporary Latin American Art
Uriarte 1976 - Palermo
Buenos Aires - Argentina.
Lunes a Sábados de 12 a 20 hs.
Tel. (54-11) 4774 6961


posted by Angie Röytgolz
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